martes, 12 de julio de 2011

barrio Nelson Mandela, de Cartagena

La idea es unir no solo lo que se está haciendo en Bogotá y en la frontera, sino también en zonas como el barrio Nelson Mandela, de Cartagena, donde hay milagros hechos de la nada", dijo Dudamel, y agregó que se deben aprovechar las similitudes y cercanías musicales de los dos países.

La directora de Artes del Ministerio de Cultura, Guiomar Acevedo, dijo que se harían intercambios de partituras y campamentos de formación de niños.

"El proyecto, en el que también trabaja la Cancillería, contempla trabajar de la mano con la Fundación Batuta (que tiene 47.000 estudiantes) y crear cuatro orquestas en la frontera. La primera comenzaría en Cúcuta", dijo Acevedo.

Concierto con más de 1000 artistas

En febrero del 2012, Gustavo Dudamel dirigirá la Filarmónica de Los Ángeles y la Orquesta Simón Bolívar de Venezuela en un concierto en Los Ángeles. Interpretarán <la 'Sinfonía de los mil', la octava de Gustav Mahler, en compañía de solistas <aún no anunciados y otros coros infantiles, en el legendario Auditorio Shrine.

Orquesta hermanaGustavo Dudamel también anunció que avanza un proyecto entre los gobiernos venezolano y colombiano para formar maestros y niños de ambos países, además de hacer intercambios de experiencias musicales.

"Se está proyectando una orquesta nacional que sería hermana con la de Venezuela.

El sistema venezolano, en Brasil, Chile y Argentina

El Sistema de Orquestas Juveniles e Infantiles de Venezuela forma a 350.000 niños de escasos recursos de este país.

Fue creado hace 36 años por José Antonio Abreu y su método consiste en instalar escuelas de música o 'núcleos' en barrios, facilitarles instrumentos y preparar a jóvenes para integrar orquestas que lleven la cultura a esas mismas comunidades. Tiene el apoyo del Gobierno venezolano.

'El Sistema', como es conocido, también se ha expandido a otros países como Chile, Uruguay, Brasil y Argentina, donde se realizó la Gira Bicentenaria.

miércoles, 13 de abril de 2011

Auténtico folclor bahiano

Hace 20 años, en medio de la riqueza folclórica de Bahía se forjaba la creación de una compañía que representara la cultura popular bahiana de la forma más pura.

‘Bahía de todos los colores’ es el espectáculo que presentará el Ballet Floclórico de Bahía este sábado en el Teatro de Bellas Artes de Bogotá.Fueron los bailarines y coreógrafos Walson Botelho y Ninho Reis quienes tomaron la iniciativa de fundar una colectividad de este tipo, a la que dieron por nombre Ballet Folclórico de Bahía.
Fue durante la celebración de los 100 años de la abolición de la esclavitud en Brasil, en agosto de 1988, que Walson y Ninho se presentaron por primera vez con la compañía. Y ahora, para celebrar sus dos primeras décadas de trabajo artístico llegan a Colombia con un espectáculo llamado Bahía de todos los colores. el espectador

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una nueva historia musical con Gabriela.

Así mismo, Gustavo Borner trabajó en la mezcla del álbum. Él estuvo a cargo del  unplugged de Diego Torres y Ricky Martín, quienes lo llevaron a ganarse un Grammy a mejor ingeniería de sonido.
Kudai ya se está posicionando en el mundo y sigue manteniendo su triunfo en Latinoamérica. Ellos aún recuerdan cuando en el 2000 empezaron como un grupo de niños interpretando canciones italianas, para luego convertirse en  una de las mejores bandas chilenas con temas inéditos a bordo. Ellos sobrepasaron dificultades, como el retiro de la integrante Nicole y escribieron una nueva historia musical con Gabriela. el espectador

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"Lejos de Aqui"

El primer sencillo de Kudai que sacaron al mercado, Lejos de Aquí, viene con su objetivo bien marcado. Éste se enfoca de manera directa al calentamiento global y las consecuencias que éste dará en un futuro. Ellos lanzaron esta canción como su debut porque tiene un contenido muy fuerte haciendo un llamado de atención a tomar conciencia y a tener sentido de pertenecía por todos los recursos naturales.
Nadha duró en producción un año y medio y viene con un toque internacional. Fue grabado y mezclado en México y Los Ángeles simultáneamente: “Tuvimos un equipo de producción muy profesional encabezado por Carlos Lara, quién ha trabajado los éxitos de artistas como Ricky Martín y Rbd”, dice Villalba. el espectador

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viernes, 18 de marzo de 2011

Roberto Grima

En este caso, y según explicó Roberto Grima (Live Nation) en la presentación del evento ayer, se trata de "un festival comprometido con los nuevos talentos artísticos", "interactivo", "tecnológico", que "no se circunscribirá a dos días sino que tendrá continuidad durante todo el año", que además de música (Band of horses, Kasabian, The New Raemon o My Chemical Romance, entre otros) "incluirá concursos y actividades culturales" con los estudiantes como protagonistas (como ya ocurre ahora con la iniciativa Intransit, que potencia los nuevos talentos artísticos de la Universidad).
La idea general es crear una macroplataforma cultural que tenga como epicentro la Universidad y como proyección el mundo entero. No es casual que hayan optado por Boris Hoppek, artista multidisciplinar donde los haya, para crear la imagen del festival.el pais

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Los de Live Nation

Los de Live Nation, la promotora de conciertos más grande del mundo, han entrado a saco en la Complutense. Coordinados con el Vicerector de Cultura de la Universidad, Manuel Álvarez Junco, están dispuestos a ensamblar la ciudad con el campus. "Desgraciadamente, de la Complutense siempre se conoce lo peor y no lo mejor que tenemos", dice Álvarez, "entre otras cosas, unos espacios estupendos en los que programar toda clase de actividades culturales".
De esta manera, y por el módico precio de 700.000 euros -inversión que hace íntegramente Live Nation, mientras la Complutense cede las instalaciones del Club Deportivo Cantarranas (con capacidad para 25.000 personas) y las instalaciones del Centro de Arte Complutense (C arte C y antigua sede del Museo del Traje)-, la iniciativa privada vuelve a asociarse a lo grande con la universidad pública "con el fin de dinamizarla al máximo", aseguran ambas partes. De la parte de producción técnica se encarga la agencia Soluciones Creativas, con sobrada experiencia en el terreno festivalero. el pais

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El Día de la Música Heineken

El Día de la Música Heineken se mantiene en sus trece y apuesta por el talento de los nuevos creadores y los últimos descubrimientos musicales- este año, dos de sus cabezas de cartel son Vetusta Morla y Russian Red-, pero en esta ocasión, además, el foco se abre desde la escena nacional a la internacional e incluye bandas como los brooklynianos The Pains of Being Pure at Heart o el canadiense Ron Sexsmith.
Todos se darán cita en Matadero Madrid el 18 y 19 de junio, anticipando la fiesta europea de la música en un espacio excepcional: cinco escenarios en el mayor centro cultural de la capital, un recinto de más de 140.000 metros cuadrados completamente renovado, en el que se desarrollarán también distintas actividades. El 21 de junio, la celebración se trasladará al Teatro Circo Price, aunque aún no se ha desvelado su contenido el pais

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sábado, 12 de marzo de 2011

LCD Soundsystem abandona los escenarios el 2 de abril, en Nueva York

Será nuestro último show para siempre. Nos retiramos del juego" anunció la banda. En la web www.lcdsoundsystem.com el pasado sábado informaron que tienen previsto tocar cerca de 3 horas en esa última cita en directo, con material que nunca antes han interpretado y con un 'estallido' final. Este concierto se realizará el 2 de abril en el Madison Square Garden. Además, invitan a los asistentes al espectáculo a acudir vestidos de blanco, de negro o de una combinación de ambos y dispuestos "a pasarlo bien". Considerado uno de los grupos más influyentes del panorama actual, con dos nominaciones a los premios Grammy en sus espaldas en las categorías de disco electrónico y mejor grabación dance, LCD Soundsystem ha publicado tres discos: 'LCD Soundsystem' (2005), 'Sound of Silver' (2007) y el reciente 'This is Happening' (2010). "Si es un funeral, tengamos el mejor funeral de la historia", concluye el anuncio de su despedida. el tiempo

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viernes, 7 de enero de 2011

Influencias de la música popular


La música culta siempre ha sido influida por, o ha tomado material, de la música popular. Los ejemplos incluyen música ocasional, como el uso por Brahms de canciones estudiantiles para la bebida en su Obertura para un Festival Académico, géneros ejemplificados por la Ópera de los tres centavos de Kurt Weill y la influencia del jazz en la música de compositores de inicios y mediados del siglo XX, como Maurice Ravel. Ciertos compositores clásicos posmodernos y postminimalistas reconocen su deuda con la música popular. También hay muchos ejemplos de influencia en el otro sentido, incluyendo canciones populares basadas en música clásica, el uso que se hizo del Canon de Pachelbel desde los años 1970, el fenómeno del musical crossover, en el que los músicos clásicos adquieren gran éxito en el terreno de la música popular (un notable ejemplo es las series de grabaciones "Hooked on Classics" hechas por la Orquestal Filarmónica Real a inicios de los años 1980). De hecho, puede argumentarse que el género completo de la música de cine puede ser considerada parte de esta influencia, dado que brinda a la música orquestal a vastos públicos de cinemeros que de otra manera no escucharían semejante música (no obstante, la mayoría la escuchan inconscientemente). Compositores de música clásica han hecho uso de la música folclórica (música creado por músicos autodidactas, la mayoría de una pura tradición oral). Algunos lo han hecho con una ideología nacionalista explícita, otros simplemente la han explotado como parte de su material temático. Véase: Música clásica y la música folclórica. Algunas fragmentos de música clásica son frecuentemente usados comercialmente (es decir, en la publicidad o como parte de las bandas sonoras de películas de entretenimiento). En la publicidad televisiva, algunos pasajes orquestales poderosos o rítmicos se han convertido en clichés, partiularmente el inicio "O Fortuna" de Carmina Burana de Carl Orff (para efectos terroríficos). Otros ejemplos del mismo género el "Dies Irae" del Réquiem de Verdi y selecciones Rodeo de AaronCopland. Similarmente, en las películas a menudo se recurre a pasajes clichés de música clásica para representar el refinamiento o la opulencia: probablemente la obras más escuchada en esta categoría es Eine Kleine Nachtmusik de Mozart.


Transmisión escrita

Su transmisión escrita, junto con la veneración dada a ciertas obras clásicas, ha llevado a la expectativa de que el ejecutante tocará la obra de tal modo que realizará en detalle las intenciones originales del compositor. Por lo tanto, las desviaciones de las instrucciones del compositor a veces son condenadas como fallas completas éticas. Durante el siglo XIX, los detalles que los compositores colocaban en sus partituras fueron incrementándose. Así vemos un opuesto rechazo-admiración por los ejecutantes que ofrecen nuevas "interpretaciones" de la obra de un compositor, y no es desconocido que un compositor le pida al intérprete una mejor realización de sus intenciones originales que la que él mismo pudo lograr. De este modo, los ejecutantes de música clásica alcanzan a menudo reputaciones muy altas por su musicalidad, aunque ellos mismos no compongan. Otra consecuencia de la primacía de la partitura escrita del compositor es que la improvisación juega una menor presencia, en marcado contraste con otras tradiciones como el jazz, en donde la improvisación es básica. La improvisación en la música clásica era mucho más frecuente en el Barroco que en el siglo XIX y siglo XX, y recientemente la interpretación de aquella música por músicos clásicos modernos ha sido enriquecida por el resurgimiento de antiguas prácticas improvisatorias. Durante el periodo clásico, Mozart y Beethoven improvisaban a veces las cadencias de sus conciertos para piano (y animaban a otros a hacer lo mismo), pero también tendían a dar cadenzas escritas para que otros solistas pudiesen usarlas


Interpretacion

Los compositores clásicos aspiran imbuir a su música de una relación muy profunda entre su contenido afectivo (emocional), y los medios con los que lo logra. Muchas de las obras clásicas más elogiadas hacen uso del desarrollo musical, el proceso por el que un germen, idea o motivo musical es repetido en distintos contextos, o alterados de tal manera que la mente del oyente, conscientemente o no, compara las diferentes versiones. Los géneros clásicos de la forma sonata y la fuga emplean rigurosamente formas de desarrollo musical. (Ver también Historia de la forma sonata). Generalmente, las obras de música clásica muestran una gran complejidad musical gracias al uso que hace el compositor del desarrollo, modulación (cambios de tonalidad), variación antes que la exacta repetición, frases musicales que no siempre tienen la misma longitud, contrapunto, polifonía y una armonía sofisticada. Además, muchas obras clásicas bastante largas (de 30 minutos a 3 horas) son construidas a partir de jerarquías de unidades más pequeñas: las frases, los periodos, las secciones y los movimientos. El análisis schenkeriano es una rama de la música que intenta distinguir estos niveles estructurales


lunes, 3 de enero de 2011

Mozart a veces cambiaría su foco de interés

Mozart a veces cambiaría su foco de interés entre la ópera y la música instrumental. Compuso óperas en cada uno de los estilos predominantes: la opera buffa, como Las bodas de Fígaro, Don Giovanni y Così fan tutte; ópera seria, como Idomeneo; y el singspiel, del cual La flauta mágica es el ejemplo más famoso. En sus óperas posteriores empleó cambios sutiles en la instrumentación, la textura orquestal y el timbre, para aportar una mayor profundidad emocional y destacar los movimientos dramáticos. Algunos de sus avances en el género operístico y la composición instrumental son: su empleo cada vez más sofisticado de la orquesta en las sinfonías y conciertos, que influyó en su orquestación operística y el desarrollo de su sutileza en la utilización de la orquesta al efecto psicológico en sus óperas, que fue un cambio reflejado en sus composiciones posteriores no operísticas.

 

Sinfonía n.º 29

A medida que Mozart fue madurando, fue incorporando a sus composiciones más rasgos adaptados del Barroco. Por ejemplo, la Sinfonía n.º 29 en la mayor KV 201 tiene un tema principal de contrapunto en su primer movimiento y experimenta con longitudes de frase irregulares. Algunos de sus cuartetos a partir de 1773 tienen finales de fuga: probablemente bajo la influencia de Haydn, que había incluido tres finales en esa forma en su Opus 20 que había publicado por esa época. La influencia del movimiento Sturm und Drang (Tempestad e ímpetu) en la música, con su presagio de la llegada de la era romántica, es evidente en la música de ambos compositores en esa época y la Sinfonía n.º 25 en sol menor KV 183 de Mozart es otro buen ejemplo de ello

 

Mozart adopta los rasgos más valiosos de la música de otros compositores

Mozart siempre tuvo un don para absorber y adaptar los rasgos más valiosos de la música de otros compositores. Sus viajes seguramente le ayudaron a forjarse un lenguaje compositivo único.[85] En Londres siendo niño, tuvo lugar un encuentro con Johann Christian Bach y escuchó su música. En París, Mannheim y Viena encontró muchas otras influencias compositivas, así como las capacidades de vanguardia de la orquesta de Mannheim. En Italia conoció la obertura italiana y la opera buffa, las cuales afectaron profundamente en la evolución de su propia práctica. Tanto en Londres como Italia, el estilo galante estaba en auge: música simple, brillante con una predilección por la cadencia; un énfasis en la tónica, dominante y subdominante y la exclusión de otro tipo de acordes, frases simétricas y particiones claramente articuladas en la forma total de los movimientos.[86] Algunas de las primeras sinfonías de Mozart son oberturas italianas, con tres movimientos que penetran unos en otros; muchas son homotonales (cada movimiento en la misma armadura de clave, con el movimiento más lento en el tono relativo menor). Otras obras imitan a las de Bach y otras muestran las simples formas binarias redondeadas escritas habitualmente por los compositores vieneses.